増田達治 煤墨の世界

 2月17日(火)、5年間非常勤講師として勤めてきた今宮高校での最後の授業を終えてきました。

 14年前、私は書作に専念するため大阪府(当時は教育委員会勤務)を退職。もう二度と教壇に立つことはないと考えていたので、退職後の何年かは母校をはじめ多くの高校から講師の依頼を受けましたが、もちろん全てお断りしてきました。

 ところが平成22年の3月、私はもう授業はしないということが既に周知のこととなっていたにもかかわらず、今宮高校の早崎公男先生から講師依頼の電話が入りました。もちろんお断りしたのですが、結局後日、一日だけならということでお引き受けすることになりました。後に早崎さんからで聞いた話ですが、「どうせダメだろう」と思いつつイチかバチかで電話をしたとのことでした。

 この時、既に退職してから丸9年。私は人と会うことも会話をすることもほとんどないような毎日を過ごしていたので、そろそろ外に出て少しは世間とも関わり、人とも接触した方がいいのでは、とも考えたのでした。

 が、何よりも大学時代にいろいろと教えを乞い、大変お世話になった先輩の早崎さんがいよいよその3月末をもって定年退職し、4月からは特別任用という形で新たな出発をされるというその年度末のギリギリのところでとても困っておられる様子を見て、少しでもお手伝いができるのなら、とお引き受けすることにしたのです。
 
 実はこれまでにも一度ならず早崎さんから依頼を受けたことがあったのですが、その都度お断りしていたのでした。

 しかし、腰の重い私を動かした最大の理由は、早崎さんの今宮高校における教育実践の素晴らしさです。私は彼の書道教育への取組み、その実践と成果を以前から注目し、高く評価していたのです。今宮の生徒作品は府下はもちろん、全国的に見ても最も新鮮で創造性に溢れ、生き生きと輝く大変魅力的なものでした。

 早崎さんの授業は、大病を患い死を意識せざるを得なくなった頃から、そして今宮高校が普通科から総合学科へと変わる頃から大きく変貌しました。

 彼は、自身の大きな転機の中で、生徒が持つ無限の能力、創造性、そして未知の可能性に気づいたのでした。これまでの臨書(古典などの名品あるいは先生が書いたものをお手本にし、真似て学ぶこと。書道における最も一般的な学習、練習方法)による技術指導や古典の学習を中心とした指導から、生徒自身による自主的自発的な「創作」を中心とする創造性開発の授業に転換したのです。

 これは、私が美原高校で20数年にわたり、書道の教員として取組んできた授業、その実践と考え方に合致するものでした。私は早崎さんの授業実践とその中から必然的に生まれた今宮生徒の作品を、いち早く評価してきたのです。

 しかし、私が美原高校で行ってきた授業、そしてその中で生徒たちが創り出した作品と、今宮高校の生徒たちが早崎さんの指導の下で日々創造する作品は、その表現が全く違っており、それぞれに異なる個性を持っています。この違うということが大切であり、また当然そうあるべきことなのです。

 なぜならそれは、生徒の可能性を信じ、その創造性を引き出し、彼らが今でしか表現することのできないたった一つの作品を創ってほしいと願う気持ちは同じでも、その具体的な引き出し方には公式や模範解答があるわけではなく、教員の一人一人が自らの考えと創意に満ちた努力と経験で創り上げるべきものだからです。

 各学校の担当教員による年間の指導計画、そして何よりもその中で生まれる生徒作品は、教員の書及び書道教育に対する考え方、そして実践力、指導力、熱意など、教員としての姿勢とその実力の全てを映し出すまさに“鏡”です。
 
 私は教諭時代、指導主事時代を通して大阪府の高等学校書道教育研究会等で機会あるごとに早崎さんの実践について紹介し、また書道の教員たちに見習うよう薦め、そしてまたその成果を正当に評価するよう訴えてきました。

 が、充実した創作授業の実践はなかなか広がらず、また進まず深まらず、というのが現状ではないか、と思っています。とても残念なことです。

 これは1/27(火)~2/1(日)に開かれた大阪府高等学校書道展(於.大阪市立美術館)における今宮高校の作品群。授業作品と書画部作品が展示されています。早崎さんにとっても私にとっても、これが今宮高校での最後の高校展展示となりました。
H26年度高校展・4698

H26年度高校展・4700

H26年度高校展・4701

 多くの方からご心配や励まし、あるいは催促?の声をいただきました。実に久しぶりの更新です。

⑮個展・4644 

 昨年の個展(11/7~12)には週に一日だけ講師として書を教えている今宮高校の生徒たちも観に来てくれました。もちろん今宮の卒業生や、かつて二十数年間教諭として勤務していた美原高校の卒業生たちも毎回たくさん来てくれます。

 三人の生徒が観ている作品は「森林」(約754×1407)。パネル仕立てのこの作品は畳一畳分よりも大きなものになっています。
 私のアトリエ(と言えば聞こえはいいですが、要するに毛氈を敷きっ放しにした制作部屋)ではこの大きさの紙なら一枚を広げるのがやっと。
 狭い自宅ではとてつもなく大きく感じる(ちょっと大袈裟!)作品も、広いギャラリーの壁面ではご覧の通りです。

⑮個展2・4451
 この「森林」、見ての通り五つの「木」で成り立っています。「木」という単純な同じ形のものを五つも組み合わせて作品にするというのはなかなか難しいことで、多くの場合、同じ要素の単なる反復になったり、変化の乏しい単純で退屈な作品になりがちです。
 そのためかどうか、「森林」と書いた作品を私は今まで一度も目にしたことがありません。一方、工夫次第ではこの単純な「木」を様々な造形と構成で組み合わせ、面白い作品に仕上げることもまた可能だろうと思います。

 今回私は、五つの「木」であることをほとんど意識せずに書いていました。「木」の組み合わせではなく、「森」と「林」という文字を書き、「森林」という言葉とその意味を表現しようとしたのでした。
 なぜなら、書は『言葉を文字で書く』芸術であり、決して意匠(デザイン)ではないからです。 

 そして、よく見ていただければ分かるかと思いますが、いずれも五本ずつある横画、縦画、左払い、右払いの一本一本を、決してどれも平行ではなく、角度や長さ、曲直、太細、墨色、あるいは線や動きなどの表情に、微妙な、実に微妙な変化を加えながら書き進んでおり、決して単調な作品にはなっていないと思います。

 しかし、重層的で多様かつ繊細微妙なこれらの変化は書き進む中での瞬間瞬間の判断です。幸運なことに、私はこれをこの最初の一枚で仕上げることができました。もう一枚書きましたが、この一枚目の方が遙かに良い出来でした。
  
 この時私はごく簡単な鉛筆書きのスケッチはありましたが、全体や一点一画の構成についての細かな計画や構想は敢えて持たず、言わば試し書きのような楽な気持ちで書いたのでした。ああしようこうしようと意識して意図的計画的に書き進んだものではありませんでした。
 
 ここに作品創りの一つの要諦があるのではないかと思います。私はこの時、「無心」に近い状態で筆を走らせていたのだと思います。
 「無心」とは決して何も考えていない、意識していないということではなく、最も集中している状態のことであり、全てのことに目と手と意識が行き届き、その人の能力が最大限に働き、その実力が最も十全に発揮される状態のことであると私は考えています。

 没入し、三昧境に入り、一心に集中してあらゆる事態を把握し、臨機応変に対応することのできる瞬間瞬間の積み重ね、人が最も生き生きと充実して生きている状態のことであると思っています。

 これこそまさに「動中工夫」の世界です。
 白隠禅師は「動中工夫勝静中百千億倍」(動中の工夫は静中に勝ること百千億倍す)という大慧宗杲の言葉を繰り返し書にしたためています。

 そして最後に印。書の作品ではあまり見られない、いや今までの書の世界ではおおよそあり得ないような位置に押しています。印をどの位置に押すか、あるいは押さないかは自由であり、決して固定観念やお決まりの位置に押すのではなく、作家の意図や考え方によって、どこにどんな印を押すかを決めるのです。様々な筆記具による手書きのサインでももちろん可です。

 さて、私の「森林」。作品上部の真ん中より少し右側、ここに一点の鮮やかな赤。これは真昼の深い森に宇宙の遥かから強烈な光と無尽蔵なエネルギーを注ぎ続ける太陽か、はたまた神秘な夜の密林に静かに輝き、やさしく木々を照らす月のようにも見えるかもしれません。いや月や太陽を連想しなくても、この作品「森林」は、印の位置によってさらにひとつの自然、ひとつの風景になったのではないかと思っています。

⑮個展・4650

 今回は46点を展示しましたが、その中から評判の良かった作品を何点か紹介します。
 まず、上の会場風景にも写っている作品23「園」(454.5×348.5)と作品38「夢」(354.5×384)の2点。
⑮個展23・4219
 この「園」の左下のL字型のような強くどっしりとした存在感のある直線と、2画目に当たる上部から右、さらに下部へと連なる動的で軽快な柔らかい曲線。その全く異なる要素のコントラストがとても印象的だ、という声を始め、この作品は多くの方々からご好評をいただくことができました。
 
 自然な筆の動きの中で大胆かつ適度な具合に筆先が割れ、その曲線部分に空気を孕んだような空間が出現しています。さらに紙面からのはみ出しを気にも留めず、スピード感をもって紙面下部からさらに左へと大きく回転し、より一層の柔らかさと優しさ、そして大きさ、豊かさが生まれたかと思います。

 そして右の上部、曲線で草書のように表現された囗(国構=くにがまえ)の線の上に構(かまえ)の中の「袁」の“土”部分がほとんど重なり、乗っかかっています。実は、これは硯で磨った墨では決してありえない表現です。ここに煤墨による表現の一つの特徴があります。 

 煤墨はその使い方によって墨色の濃淡の変化を自由に使い分けることができます。また書き進む中で、時間の経過とともにそのグラデーションがごく自然に変化していく様を表現することもできます。

 そして、薄い煤墨の上に濃い煤墨を乗せて書いても先に書いた下の線と溶けあったり滲んだり、また同一化同質化することなく、くっきりとした輪郭を持つ独立した線として成立させることができるのです。つまり文字としての線、文字を文字として成立させている約束事、「骨格」が決して失われずに表現されるということです。

 この「園」という作品、これがこの形そのままで真っ黒に磨った墨一色で書かれていたら…、と想像してみてください。薄墨の曲線とその上に書かれた“土”の辺りは、3本、4本の線が折り重なっていますが、これが墨一色だとすると、少なくともこの部分は判別のできない黒い塊となってしまいます。つまり、線としての痕跡のない“面”と化してしまいます。

 この、線を失うということは文字の「骨格」を失うということであり、文字ではない単なる模様、オブジェになるということです。意味伝達の機能を失った形、それはもはや文字ではなく、また言葉ではなくなっているということを意味します。これを「書」と呼ぶことはできないでしょう。

 なぜなら、「書とは言葉を文字で書く」芸術だからです。

 私がもしこの時、真っ黒に磨った墨でこれを書いていたとしたら、当然このような造形にはなっていません。黒の上に黒を重ね、一本一本の大切な線を潰してしまうような愚かな選択は決して誰もしないはずです。(いやいや、ところが案外これに近いようなことを結構多くの人がやっているのです…。)
 
 しかし、煤墨にはこの言わば“重ね書き”が可能でした。私は薄い線の上に濃い線を大胆に重ねるということを、瞬間的な判断で無心に無造作に、しかしその効果と仕上がりを充分に想定した上でやっています。

 筆を重ねても文字としての線を成立させ、「骨格」が表現できるということ。これはまさに発見であり、新しい表現でした。そしてまたこれによって書の表現の幅、可能性が広がった、ということができるのです。

⑮個展38・4312
 この「夢」という作品。作品の中央、第10画目の少し右下がりになった太く長い直線。この直線に近いワ冠部分の造形が閃いて、私自身も今までに書いたことのなかったこの「かたち」、この「夢」が誕生しました。

このページのトップヘ